En nous invitant dans les montagnes russes émotionnelles de sa récente paternité, le chanteur américain engendre un album abrasif et tendre. Sa musique, profondément hybride, entre folk et R’n’B, nous déboussole et nous console. (Télérama)

La somme schubertienne du Geister Duo : l'intégrale de la musique pour piano à 4 mains ! Renfermant les prédilections de l'époque, mais aussi l'âme inimitable d'un compositeur à l'orée du Romantisme, les oeuvres pour piano à quatre mains de Schubert dévoilent le rapport que l'auteur entretient avec son temps et son cercle tout au long de sa vie. Le Geister Duo signe une rare intégrale de ce répertoire essentiel, mettant en relief " les ambitions artistiques et les sentiments confidentiels de celui qui a toujours su exprimer le coeur et l'amitié ".

Avec son Estonian Festival Orchestra, Paavo Järvi rend hommage à Arvo Pärt, dont on fête le 90ème anniversaire en 2025. Le compositeur estonien fait partie de la vie de Paavo Järvi depuis son enfance : " Arvo était, pour ma soeur et moi, l'ami branché de notre père. Il portait une casquette de baseball, un jean et une veste en jean ", se souvient-il. L'histoire de la famille Järvi est intimement liée à l'oeuvre de Pärt puisque c'est le concert devenu légendaire où le père de Paavo, Neeme, dirige Credo en 1968 qui provoque la mise sur liste noire des Järvi par le régime soviétique et précipite leur départ d'Estonie. Credo figure dans ce vaste programme qui couvre 45 années de composition. Quel est le secret de cette musique qui allie simplicité et profondeur ? On trouve peut-être une clef dans la remarque que fit Pärt à Londres lors d'une répétition avec Paavo : " j'ai l'impression que l'orchestre n'aime pas assez cet accord "... La transformation fut alors incroyable et ces notes interprétées " avec amour " sonnèrent différemment.

"Electric fields" (champs électriques) présente de nouveaux arrangements de musique vocale séculaire et des compositions pour soprano, pianos et électronique live. Les musiques contemplatives de la compositrice médiévale Hildegard von Bingen sont le point de départ de cet album. Les textes d'Hildegard s'élèvent vers le monde spirituel, à la fois en latin et dans la lingua ignota, langue mystérieuse qu'elle a inventée. En outre, les chants d'amour de deux compositrices du baroque italien, Barbara Strozzi et Francesca Caccini, ont inspiré ce voyage, qui est complété par plusieurs oeuvres du compositeur américain Bryce Dessner. La soprano Barbara Hannigan et les pianistes Katia et Marielle Labèque sont rejointes par le compositeur et interprète David Chalmin dans cette odyssée qui traverse les genres, mêlant improvisations, musiques ambient et méditative. Ensemble, ils créent un cosmos sonore intense et unique.

Le retour de Tri Yann en studio avec une chorale dirigée par Marie NodierAprès 12 ans d'absence des studios et de nombreuses épreuves, cet album est la preuve que la musique est plus forte que tout ! La rencontre avec la chorale : l'Ensemble vocal Marie Nodier. Une envie commune de chanter, de revisiter des traditionnels et des chansons de Tri Yann, font de cette aventure humaine un disque unique qui vous emportera dans un voyage sonore incroyable.

Dans ce nouvel album Gelosia ! (Jalousie !), le contre ténor Philippe Jaroussky est accompagné de son ensemble Artaserse. Cet album tire son nom dramatique de deux cantates solistes enregistrées en première mondiale. Programmées aux côtés de cantates de Vivaldi, Haendel et Alessandro Scarlatti, elles sont l'oeuvre du Napolitain Nicola Porpora et du Vénitien Baldassare Galuppi. Bien que composées à 35 ans d'intervalle, les deux cantates reprennent le même texte, " La Gelosia ", oeuvre du prolifique Pietro Metastasio.

Cette compilation n'est pas une rétrospective exhaustive de la musique libyenne, mais un parcours subjectif à travers des trésors sonores découverts sur cassettes, lors de discussions ou de recherches en Libye et ailleurs. Plutôt que de s'attarder sur les artistes les plus connus, elle met en lumière des pépites oubliées de l'ère cassette, issues d'un contexte de création souvent marqué par des contraintes politiques et une faible visibilité internationale. On y découvre un mélange éclectique de reggae, disco synthétique, pop brute, house et funk, reflet du paysage musical libyen entre les années 1980 et 2000. Ces enregistrements proviennent en partie de l'usine de cassettes TK7 en Tunisie (aujourd'hui démolie) et d'une session de numérisation au Caire en 2021. Parmi les artistes présents : Ahmed Ben Ali, Cheb Bakr, Najib Alhoush & The Free Music, mais aussi des groupes moins connus comme Khaled Al Melody, Libya Music Band ou Group Hewaya. Leur musique, souvent enregistrée dans des conditions artisanales ou à l'étranger, témoigne d'un mouvement d'auto-production croissant dès les années 1990, avec l'émergence de studios indépendants. Résultat : une diversité sonore marquée par l'influence afro-arabe et des expérimentations audacieuses. Le reggae y prend une teinte locale, à la fois musicale et identitaire.

Quand l'une des Sopranos les plus passionnantes de notre époque interprète les plus belles mélodies d'Erik Satie et de la Belle époque du début du 20è siècle avec 4 musiciens virtuoses... Un hommage audacieux et personnel à la liberté, à la légèreté et à la fantaisie ! "Qu'a pu entendre Satie en se promenant dans Paris et en fréquentant ses cabarets ?" se demande Julie Fuchs. Elle y répond par un parcours guidé par la "variété des styles". Cette " marque de fabrique " qui lui est chère et que l'on reconnaît souvent dans les projets de la chanteuse. Une variété qu'aurait sans doute applaudie le compositeur, lui qui suivit un trajet artistique aussi singulier qu'original, loin de l'académie, et en perpétuel renouvellement. Une variété qu'assurent également les arrangements, signés Cyrille Lehn, Arthur Lavandier et Thibault Perrine, riches de savoureuses combinaisons instrumentales où se croisent accordéon, violon, contrebasse et piano (Félicien Brut, Alexis Cardenas, Davide Vittone, Alphonse Cemin). Satie flâne dans ce disque comme dans Paris : à la fois présent partout et insaisissable. Julie Fuchs, avec une joie de transmettre contagieuse, fait dialoguer les époques, les styles, les mots et les sons. Elle restitue le climat d'un Paris artistique en pleine effervescence, celui des cabarets, des salons, des salles de concert, où se mêlent chanson, humour, tendresse et modernité. Une traversée à la fois savante et légère, portée par la conviction que la musique, comme le disait Satie, est d'abord une affaire de sincérité, d'imagination, et de liberté.

Composé, écrit et enregistré entre Paris, Sète, Bruxelles, Buenos Aires et Rio de Janeiro, "Le Disque Bleu" est le 11ème album à s'inscrire dans la discographie incomparable de Benjamin Biolay. En deux volumes distincts mais complémentaires - titré "Résidents" pour le disque 1, "Visiteurs" pour le disque 2 -, ce nouvel opus est une invitation au voyage entre les deux rives de l'Atlantique. Un voyage d'une richesse musicale inouïe et d'une profondeur lexicale insensée.

LUX est le quatrième album studio de Rosalia, chanteuse, auteure-compositrice et productrice récompensée aux Grammy Awards. Il s'agit de son projet le plus ambitieux à ce jour. LUX est une réalisation monumentale, tant sur le plan artistique que conceptuel.

Le contrebassiste anglais Holland et son style tout en sobriété élégante d’un côté, le guitariste américain Scofield aux sonorités plus ténébreuses de l’autre. Une union parfaite et inattendue qui forme un dialogue émouvant et grandiose. (Télérama)

Kankou Kouyaté a travaillé avec des géants comme Toumani Diabaté, Madou Diabaté, Bassekou Kouyate, Cheick Tidianne Seck, Salif Keita, Habib Koite, Vieux Farka Touré... Avec " N'Darila ", son premier album solo, Kankou revient à ses racines. Ses textes sont philosophiques, dans la tradition mandingue, où elle interprète son environnement social et la société. Elle parle des droits des femmes et du bon comportement envers ses semblables.

''Paris amour'' est le dixième album studio de Keren Ann. Réminiscences sixties et surtout seventies d'une pop luxuriante mêlée aux sons électro ou acoustiques, la production de ce nouvel opus montre une recherche esthétique poussée, originale, où rien n'est trop fort pour que la musique sonne, et surtout, musicienne exigeante, la songwritrice a su s'entourer d'une pléiade de musiciens de très haut niveau.

Denise King, femme scintillante, solaire et lunaire, nous montre le plus beau des chemins, celui du coeur. Sa voix chaude, envoûtante, magistrale, magique, sonne comme les cloches d'une cathédrale pour célébrer cette musique jazz, blues, rock, soul.

Produit par leur vieil ami Billy Joe Bowers, ce disque marque un retour aux fondamentaux : un son de power-trio, incisif, direct et plus concentré que jamais. On y retrouve tout ce qui fait la légende du groupe : des textes sombres mais pleins d'ironie, portés par une énergie irrésistible. Du brûlant premier single "Maybe I'm just messin' with you", taillé dans l'esprit Motörhead, aux morceaux décalés et fédérateurs comme "Volunteer", "Meaningful songs" ou "Unsolvable problems", l'album enchaîne les hymnes. Toujours imprévisibles, drôles et furieusement rock, les Supersuckers prouvent qu'ils n'ont rien perdu de leur mordant : un groupe culte qui continue à se réinventer, avec un disque qui respire la liberté et la puissance scénique.

Une suavité suprême et un groove léger, Estelle Perrault est la chanteuse de jazz qui monte ! "Promises" est une collection de chansons qui explore, avec simplicité et sincérité, les nuances de l'âme humaine : ses aspirations et ses failles, ses élans de vérité, mais aussi ses contradictions. À travers ces morceaux, Estelle Perrault dévoile des fragments d'une quête d'authenticité, marquée par la vulnérabilité, les désillusions, mais aussi un profond désir de se reconnecter à soi-même. Cet album est une humble ode aux promesses : celles qui inspirent, celles qui blessent, mais surtout celles qui façonnent ce que nous sommes.

''Quatrième souffle'' parait sur le label Bruit Chic fondé par Yoann Loustalot. Le trio revient ici à sa base essentielle, le jeu à 3, sans artifices, sans effets, avec une complicité indéfectible. L'album regroupe uniquement de nouvelles compositions originales. L'unité, le jeu, l'espièglerie sont bien là, magnifiés par la contrebasse rugueuse et agile de Blaise Chevallier, par la volubile et virtuose batterie de Fred Pasqua, par le son unique et envoûtant de Yoann Loustalot.

A travers ce nouveau projet, Vanille fusionne la chanson française avec des rythmes latinos, le blues africain et la bossa nova, influencée par des géants tels que Brel et Caetano Veloso. L'album, reflète une pop organique et vibrante, une musique où l'alchimie entre guitare-voix et électro accentue la lumière. "Regarde", premier single du même nom, est une ode à l'amour durable et au couple qui traverse le temps.

"Sad and beautiful world" est une célébration musicale sur sept décennies - reflet de la carrière unique de Mavis Staples, légende vivante de la soul américaine. Produit par Brad Cook, il revisite des classiques de Tom Waits, Sparklehorse, Gillian Welch, Frank Ocean... comme un hommage collectif porté par la voix incomparable de Mavis. Autour d'elle, une communauté artistique multi-générationnelle : Buddy Guy, Bonnie Raitt, Jeff Tweedy, Derek Trucks, Katie Crutchfield, MJ Lenderman, Justin Vernon...

Après quinze années d'une carrière menée tambour battant autour du monde, Zaz s'offre l’album dont elle rêvait. Un recueil de chansons éminemment personnelles dont le propos ne manquera pas de s'ouvrir à l'universel tant il recèle de récits biographiques.

Des musiques de la renaissance aux polskas traditionnelles, en passant par les élégantes danses baroques, les deux musiciens de Niseïs invitent à un tendre voyage en Suède, avec nyckelharpa, harpes, violoncelle et traverso pour bagages. " Skugga " est un voyage aux nuances intemporelles suédoises rythmé par la musique médiévale extraite des Piae Cantiones, des danses baroques, des airs traditionnels venus du nord ou des compositions écrites par Elodie Poirier. Le duo Niseïs rassemble deux jeunes musiciens curieux et intéressés en particulier par le monde des musiques anciennes (Moyen Âge, Renaissance et Baroque) et des musiques traditionnelles (celtes, nordiques ou séfarades). Deux musiciens, mais beaucoup d'instruments qui se marient à merveille, mêlant cordes pincées, frottées, souffle de la voix et de la flûte. Pour le public, la découverte d'instruments rares, au service de musiques peu connues et dépaysantes.

Onzième album pour le chanteur Big Daddy Wilson, où l'on retrouve son univers folk-blues et ses influences gospel.

L'artiste canadien fait l’état des lieux d’une carrière aussi fructueuse que cabossée en se replongeant dans sa relation ambiguë à son père, chanteur de gospel – et par extension à la religion chrétienne. (Les Inrocks)

''Song for Abbey'' est un hommage à l'immense chanteuse, compositrice, poétesse, activiste et actrice Abbey Lincoln, qui a marqué l'histoire du Jazz de sa voix unique. Rendre un hommage, c'est reconnaître une dette. Que doit-on à Abbey Lincoln? Elle a tracé un chemin spirituel et esthétique d'une richesse grandissante au fil de sa carrière. Connue comme une interprète bouleversante et singulière, notamment au côté de Max Roach, elle s'est révélée sur le tard la songwriter d'une oeuvre étonnante: à la fin 90 elle publia une série de disques éminemment personnels, qui dessinent un songbook majeur, pourtant peu repris. "Caged Bird", "Learning how to Listen", "The Music is the Magic"... des merveilles que Marion Rampal, intimement influencée par cette grande dame aux mille vies et aux mille chapeaux, célèbre aux côtés de ses musiciens. Aux compositions phares ou plus confidentielles de Lincoln, Ils mêlent des reprises éclairant ses ancrages, ses amours musicales (Dylan, Oscar Brown Jr...), dont Skylark, avec en invité le guitariste Bill Frisell, et un morceau original, cosigné et chanté avec un musicien qui fut un compagnon de route d'Abbey, Archie Shepp. Foisonnant de mélodies autant que de matières libres, sauvage et joyeux, "Song for Abbey" se veut être un geste de mémoire vive, invoquant et partageant l'esprit d'une immense artiste, qui considérait le Jazz comme la forme la plus propice à ce qu'elle appelait "la construction du caractère".

Après des débuts salués par la critique (qui l'a comparée à Erykah Badu et Lauryn Hill), Yazmin Lacey revient avec "Teal dreams", second album audacieux et vibrant, mêlant soul, ska, lover's rock et indie.

En toute liberté, l’Américaine mêle folk, soul ou pop sur ce premier album aux arrangements sobres, qui laissent s’épanouir sa voix grave. Épatant. (Télérama)

Sur son nouvel album " The Afrodub Experience ", le multi-instrumentiste et producteur Umberto Echo nous fait voyager dans le temps et l'espace à travers quatre continents. Avec de nombreux collaborateurs, il explore 50 ans d'histoire de la musique afro-caribéenne.

Nouvelle étoile montante de la soul-pop britannique, Olivia Dean dévoile son très attendu deuxième album, après avoir enflammé les scènes des festivals Rock en Seine et Glastonbury en 2024 et conquis un public international lors de sa tournée européenne à guichets fermés en 2025.

Le pianiste star Daniil Trifonov a fait son entrée fulgurante sur la scène internationale en remportant le Concours international Tchaïkovski en 2011. Avec cet album, il revient à la musique du compositeur dans une belle sélection d'oeuvres pour piano seul évoquant la jeunesse et la famille : la Sonate op. 80, rarement jouée, l'Album pour enfants, les Variations op. 19/6 et la Suite de concert de La Belle au bois dormant, transcrite pour piano par l'éminent pianiste russe Mikhaïl Pletnev.

Trois ans après "Could we be more", "Tuff times never last" voit le groupe londonien élargir avec insouciance sa palette et ses influences. Si le jazz afrobeat reste au cœur de la conception sonore du disque, ce nouvel album s'inspire largement du R&B britannique des années 80, de la néo-soul, du disco ouest-africain, de la bossa nova, du lovers rock et du funk. Au fil de ses 11 chansons sur le thème de l'été londonien, l'album explore la solidarité, la communauté, la sensualité, l'enfance, la perte et surtout la persévérance.

Au fil des années, Stand High Patrol a développé un dub particulier qui intègre un large répertoire d'influences personnelles. Porté par la voix de Pupajim et par une palette d'effets des plus fournies, ce style baptisé "dubadub" se définit comme un mélange de dub, de hip hop, de bass music, et de reggae digital ; le tout parsemé d'accents trip hop, techno et new wave. Un style hybride qui trouve autant ses adeptes chez les passionnés de dub que chez les amateurs de musiques électroniques.

" Une très grande artiste et une individualité profondément créatrice dans le domaine de la pensée musicale. " (Le Ménestrel, 13 février 1925) Virtuose acclamée sur les scènes européennes et pédagogue incontournable, Marie Jaëll fut aussi une compositrice reconnue en son temps. Aux côtés de son monumental Quatuor avec piano, cette monographie dévoile une sélection de ses pièces de musique de chambre en première mondiale. Composées entre 1875 et 1886, ces oeuvres offrent une fenêtre sur la production d'une artiste singulière, préoccupée davantage par la recherche d'un idéal artistique que par la reconnaissance.

Ce troisième volet marque l'ultime chapitre de la quête spirituelle de Cochemea, saxophoniste et compositeur en lien profond avec ses racines indigènes. À travers "Ancestros futuros", il poursuit son exploration des liens entre musique, mémoire et ancestralité, dans une démarche à la fois intime et universelle. Entouré d'un octet fidèle mêlant percussionnistes new-yorkais et musiciens du Daptone Rhythm Section, Cochemea livre un disque enregistré live sur bande analogique 8 pistes, sous la houlette du producteur Gabriel Roth (alias Bosco Mann). Le processus brut et organique renforce la dimension rituelle et immersive du projet. À la croisée du jazz spirituel, du funk chamanique et des traditions autochtones revisitées, "Ancestros futuros" tisse un récit sonore hybride, entre passé et futur. Un hommage vibrant aux forces invisibles, à la transmission culturelle, et à la résilience créative.

Après avoir exploré les duos et les rencontres, Ycare revient avec un album intense et introspectif, où l'amour, la foi et la quête de soi se mêlent à une écriture toujours aussi percutante et sincère. Avec ce nouvel opus, cet artiste universel nous ouvre les portes d'un univers apaisé, un voyage spirituel où l'on croise l'enfance, les espoirs et les blessures que l'on a appris à apprivoiser. Entre puissance émotionnelle et mélodies envoûtantes, cet album marque un tournant dans sa carrière : celui de l'acceptation et du retour à l'essentiel.