"Spunicunifait": cet étrange nom est celui d'un groupe de cinq musiciens aux multiples expériences chambristes ou au sein d'orchestres prestigieux comme le Chamber Orchestra of Europe qui ont décidé de se réunir pour se consacrer à l'étude approfondie et à l'interprétation sur instruments d'époque des six quintettes à cordes de Mozart. Un choix patronymique légèrement facétieux également, à l'image du compositeur qui, dans une lettre à sa cousine Maria Anna Thekla Mozart, écrit ces trois mots mystérieux "Spuni Cuni fait", qui pourraient signifier "spun/tissé," "Cony/Lapin," "fait," du verbe "faire" : quelque chose tissé en peau de lapin, comme le châle que sa (bien-aimée !) cousine Bäsle portait sur un auto-portrait.

La voix enivrante de Laufey, les ambiances jazzy d'une classe folle, l'orchestration tour à tour intimiste, mise en emphase ou tout simplement touchante font de cet opus une réelle merveille où se mêlent habilement jazz, lounge, pop, classique, le tout sans faute de goût ni défaut. Une pépite Islandaise incontournable, un joyau de pop room comme Laufey elle-même aime appeler sa musique.

Cinq ans après " Interplay " (2020), le pianiste et le contrebassiste reprennent le fil de leur conversation. Mieux qu'un simple tête-à tête, le duo d'Alain Jean-Marie avec Diego Imbert a ici des airs de connivence et d'osmose immédiates, de coeur à coeur, d'inconscient à inconscient. Avec humilité et complicité, ils se retrouvent pour une balade en ballades, réinventant des romances aimées que l'on croyait pourtant bien connaître. Faisant preuve d'un subtil art du suspens, ils s'infiltrent dans chaque chanson en étirant la mélodie à l'extrême, dilatant délicatement le temps.

Le 3e album de Klaus Mäkelä avec l'Orchestre de Paris présente deux grands classiques de la musique française : la Symphonie fantastique de Berlioz et La Valse de Ravel. Il s'agit d'une musique qui appartient à l'Orchestre de Paris comme aucune autre : les enregistrements de Mäkelä suivent d'illustres prédécesseurs tels que Charles Munch, Herbert von Karajan et Daniel Barenboim. Pièce maîtresse de l'album, la Symphonie fantastique a été enregistrée à la Philharmonie de Paris en décembre 2024.

Le violoncelliste de renommée internationale HAUSER revient avec "Cinema", un nouvel album envoûtant rassemblant les plus grandes mélodies du septième art. Avec son style romantique inimitable et son jeu de violoncelle expressif, HAUSER explore l'univers de la musique de film en proposant une sélection sublime de thèmes intemporels qui ont marqué des générations. De la beauté nostalgique du "Thème de Tara" d'"Autant en emporte le vent" à la délicatesse bouleversante de "What Was I Made For" de Billie Eilish (récompensée aux Oscars℗ pour "Barbie"), "Cinema" saisit toute la puissance émotionnelle des instants cultes du cinéma. Grâce à des arrangements riches et orchestrés, HAUSER insuffle une nouvelle vie aux oeuvres des plus grands compositeurs de l'histoire du cinéma : John Williams, Ennio Morricone, Henry Mancini, John Barry, tout en revisitant des ballades emblématiques telles que "Writing's on the Wall" de Sam Smith ("Spectre") ou "The Music of the Night" du "Fantôme de l'Opéra". L'album inclut également le thème ultra-romantique de "Elle et lui" ("An Affair to Remember"), redécouvert par une nouvelle génération à travers "Nuits blanches à Seattle". "Cinema" est bien plus qu'un hommage : c'est une réinvention de ces thèmes légendaires à travers la voix du violoncelle. Avec passion, élégance et grandeur cinématographique, HAUSER repousse à nouveau les limites de son instrument et renforce son lien unique avec le public du monde entier. Retrouvez "Cinema" en CD le 12 septembre.

Des concertos hors norme. Poétique de l’espace autant qu’art du temps, mécanique de haute précision, ivresse rythmique… La musique de Ligeti défie les critères et les codes. Ce disque nous permet d’apprécier l’évolution du langage musical de l’un des plus grands compositeurs du XXe siècle, du Concert Românesc de jeunesse aux plus tardifs concertos pour piano et pour violon, ici servis par deux immenses virtuoses.

Jérôme 'Ignatus' Rousseaux a nourri son nouvel album de son goût pour une recherche permanente, une chanson aventureuse et friande de fertiles collisions. Voire même adepte de création sous contrainte et d'expérimentation.

Et si les plus grandes oeuvres musicales argentines avaient été composées par une femme... française ? Mandy Lerouge répond à cette question avec Del Cerro, son deuxième album, réalisé par Nicolas Repac. Après La Madrugada (2020), elle plonge dans un voyage musical inédit, dévoilant l'incroyable histoire de Pablo Del Cerro, compositeur méconnu et compagne d'Atahualpa Yupanqui. Derrière ce pseudonyme se cachait en réalité Antoinette Pépin, une Française restée dans l'ombre. Avec Del Cerro, Mandy réunit les époques et les cultures, entourée du guitariste Diego Trosman, du percussionniste Javier Estrella et du violoncelliste Olivier Koundouno, sous la direction sonore de Nicolas Repac. Un hommage vibrant et captivant à une artiste oubliée.

Un duo à trois instruments pour réinventer le répertoire de Djazia Satour et orchestrer ses nouvelles chansons. La voix de la chanteuse et le piano de Pierre-Luc Jamain entremêlent leurs sensibilités et osent les improvisations les plus subtiles. Et le frappé du bendir, inattendu, fait battre le coeur des compositions à son rythme obsédant. Une formation construite pour la scène dans un décor nocturne propice aux confessions sur des thèmes dont l'évocation en arabe suggère la nostalgie et répercute les tumultes du monde. A la lueur d'astres resplendissants, c'est un nouvel univers musical qui se dessine. Le bendir et le piano s'associent dans un registre inédit. Dépassant l'esthétique convenue du duo piano-voix, les deux artistes créent un cadre où tous les timbres résonnent dans un équilibre mouvant. Un son inclassable, fruit de fines intuitions et d'expérimentations minutieuses.

Né d'une profonde amitié entre Thibaut Garcia et Antoine Morinière, cet album combine virtuosité et sensibilité poétique pour offrir une nouvelle approche des Variations Golberg de J.S. Bach. L'arrangement, pensé pour adapter le travail du clavier pour deux guitares tout en préservant l'illusion d'un seul artiste, a été imaginé par Thibaut Garcia et Antoine Morinière eux-mêmes. Cet album est le fruit d'un processus créatif dans lequel les artistes se sont pleinement engagés; de deux guitares jumelles taillées dans le même arbre, en passant par une retraite à l'abbaye de Solesmes dans le but de mieux comprendre la spiritualité de Bach.

A 80 ans, le contrebassiste, compositeur et chef de bande Henri Texier, figure historique du jazz européen, n'en finit plus d'enchaîner les projets et n'a jamais semblé aussi créatif et heureux de partager sa musique sur scène. Illuminé par l'éclat lyrique de la trompette d'Hermon Mehari et magnifiquement régulé par le phrasé perlé du pianiste Emmanuel Borghi, son tout nouveau groupe emprunte pour la première fois ses couleurs et ses dynamiques orchestrales au canonique quintet hard bop pour revisiter avec son lyrisme et son sens du groove inimitables, une série de compositions anciennes injustement oubliées.

Guitariste, chanteur et auteur-compositeur de blues américain reconnu pour sa voix puissante et son style blues imprégné de rock et de soul, Larry McCray sort de son "Heartbreak city", nouvel album studio produit par Joe Bonamassa et Josh Smith.

Lara Fabian fait son grand retour musical avec son nouvel album "Je suis là", un projet qui parle de résilience, de positivisme et surtout du choix du jour face à la nuit. "Je suis là" est le fruit d'un voyage personnel, spirituel et artistique. À travers ses chansons co-composées avec Slimane, Vianney, Vitaa, Renaud Rebillaud, Yaacov et Meïr Salah, Lara nous invite à la rejoindre dans un univers de paix et de sérénité. Cet album incarne une quête de cohérence et de lumière même dans les moments les plus sombres. C'est un projet qui parle de résilience, de positivisme, et surtout, du choix du jour face à la nuit, de faire le choix de l'amour et de la beauté dans tout ce que la vie nous offre.

Formés dans l'effervescence des rues de Kinshasa, Kin'gongolo Kiniata redéfinit les contours de la musique congolaise, tout en honorant ses racines culturelles profondes. À travers leur premier album, Kin'Gongolo Kiniata offre une musique vibrante, où les rythmes urbains se mêlent aux sonorités électroniques et aux percussions artisanales, créant une fusion explosive entre le passé, le présent et futur. En fusionnant les rythmes urbains de Kinshasa avec des influences contemporaines, Kiniata ouvre une nouvelle voie pour la musique congolaise. Ce premier opus est bien plus qu'une collection de morceaux: c'est une déclaration d'intention artistique et un témoignage de la capacité de la musique et de l'art à transformer la réalité, faisant résonner l'âme de Kinshasa à travers le monde.

Cet album s'inspire d'un conte mythologique aztèque. Il est né de l'intérêt de Jean-Pierre Jullian pour le monde mésoaméricain et de sa rencontre avec le texte en nahuatl, et sa traduction en français, du mythe de la création du soleil et de la lune, dans le monde aztèque. Les pièces musicales qui constituent l'ensemble comportent de l'écriture et de l'improvisation.

Quatre ans après la sortie de leur album culte 'Palais d'argile', certifié disque de platine, et deux ans après Feu! Chatterton sort son quatrième album 'Labyrinthe'. Une ode au chemin et à l'émerveillement, qui sonne comme un cri du cœur et navigue entre rêverie urbaine et parcours initiatique. Savant mélange de chanson rock, de pop poétique et de musique électronique, 'Labyrinthe' est une invitation à se perdre pour mieux se trouver.

Avec cet album, Alune raconte la transmission des traditions musicales du continent africain au continent américain, et l'influence des cuivres et du jazz sur la musique africaine actuelle. Une histoire d'héritages, de synergies et de différences, d'une terre à l'autre qui prend forme à travers des compositions originales et des standards (Jimi Hendrix, Fela Kuti, Herbie Hancock et Dr. John) réinterprétés à la sauce afro-jazz.

Un Fauré en clair-obscur. Pages essentielles de sa production pour piano seul, les Nocturnes et les Barcarolles témoignent de l'évolution stylistique de Fauré. Des premiers opus encore proches de Chopin et Schumann, jusqu'aux numéros ultimes, aux harmonies aussi capiteuses qu'insaisissables, c'est tout un univers sonore qu'Aline Piboule nous propose ici de redécouvrir sur un sublime Gaveau de 1929.

I MUVRINI reviennent avec NULU 33 (" nuage 33 "), onze chansons tracées au pinceau, dans la force de ce sensible qui leur est singulier. I MUVRINI, groupe de frères, célèbrent ce qui vit, ce qui donne, ce qui passionne. Ils clament ce qui marche, ce qui rêve, ce qui nous élève. Pour dessiner, " ce qui est plus grand que nous ", ils ont construit cette échelle de chansons. De marche en marche, comme un escalier du coeur, ils ont posé sur ce Nuage 33 une symphonie sans frontières dont la devise est tout un chemin : " Que rien ne nous sépare ! ". Porté par quatre des plus belles voix de Corse, I MUVRINI porte au coeur cette parenté avec tous les rivages de Méditerranée : le Blues corse y rencontre une guitare portugaise, les choeurs africains de César Anot rejoignent le " Fado " des Corses, le groove urbain épouse le chant des Terres, la merveilleuse voix soprano de Kelly Poukens les rejoint, des choeurs d'enfants subliment les refrains.

Connu comme le joueur de lap steel gospel dynamique à la tête du Family Band, Robert Randolph s'impose comme un artiste expérimenté avec ce premier album solo. Il s'oriente davantage vers une direction brute et authentique qui met en valeur sa capacité à naviguer entre rock, blues, americana et soul.

Avec "Shiraz", Dhafer Youssef livre sans doute son album le plus intime et bouleversant. Dédié à son épouse, ce disque retrace le parcours éprouvant qu'ils ont traversé ensemble face à la maladie et aux épreuves de la vie. Chaque note porte la trace de cette traversée : la douleur, mais aussi la force, l'amour, la patience et l'espoir qui naissent dans les moments les plus difficiles.

Dix ans après leur premier disque en commun (La Suave Melodia, Flora 3415), Les Timbres et Harmonia Lenis se retrouvent pour un nouvel enregistrement. Entourés de leurs amis, ils y fêtent le génie inventif de Georg Philipp Telemann (1681-1767), dans des oeuvres regorgeant de couleurs, d'instrumentations et de timbres. Cet enregistrement propose l'intégrale des Six Trio de 1718, dans une version à l'ornementation longuement murie et hautement expressive. S'y ajoutent deux raretés, des trios avec clavecin obligé issus des Essercizii Musici.

Avec en toile de fond l'inexorabilité du changement climatique, "Snapshots" explore les errements d'une période qui évoque par certains aspects la fin de l'empire romain, par d'autres la fin des années 30, si ce n'est parfois même la fin de l'ère des dinosaures...

La musique écrite par Gary Brunton pour "Spacecraft" offre un voyage à travers de multiples esthétiques. Avec sa contrebasse, il a le don de trouver le son, l'esprit et la bonne direction. Il laisse à chacun des membres de son quintet des espaces de liberté, tout en s'appuyant sur les conseils avisés du musicien David Patrois lors des séances d'enregistrement.

Le saxophoniste, flûtiste et producteur Chip Wickham projette une ombre formidable sur le paysage jazz mondial. Originaire de Brighton, mais partageant désormais son temps entre le Royaume-Uni, l'Espagne et le Moyen-Orient, il s'est fait connaître grâce à une série d'albums solo magnifiquement réalisés, s'inspirant autant du jazz spirituel et swinguant de Roland Kirk, Yusef Lateef et Sahih Shihab que de la musique de légendes britanniques comme Tubby Hayes et Harold McNair et des sonorités plus contemporaines de Jazzanova, Kyoto Jazz Massive et Robert Glasper. Explorant davantage son penchant pour le jazz soul et spirituel percutant et le hard-bop modal, cet album ouvre un nouveau chapitre passionnant de sa discographie tant saluée, qui a vu son artiste débridé s'épanouir vers de nouveaux horizons.

Avec ce troisième album pour ECM, Fred Hersch signe une contribution essentielle dans l'art du trio piano/basse/batterie. Accompagné de Drew Gress à la contrebasse et Joey Baron à la batterie, le pianiste y aborde une poignée de compositions du 20e siècle - des standards mais aussi quelques thèmes de jazz plus confidentiels d'Ornette Coleman, Egberto Gismonti, Charlie Haden et des frères Gershwin - ainsi que trois pièces originales qui frappent par leur intensité lyrique.

Avec cette intégrale très attendue des Études de Philip Glass, Vanessa Wagner livre bien plus qu'un simple enregistrement : un témoignage de la relation profonde qu'elle entretient depuis des années avec ce corpus désormais incontournable de la musique pour piano à la croisée des XXe et XXIe siècles, dont elle livre une lecture incarnée, exigeante et profondément habitée. Wagner ne joue pas Glass comme une figure figée du minimalisme américain : elle en dévoile les zones d'ombre, les modulations sensibles, les fulgurances rythmiques. Chaque Étude devient un paysage intérieur mouvant, entre épure formelle et vertige méditatif. Loin d'un exercice de style, cette intégrale dessine un récit personnel, une traversée émotionnelle où s'entrelacent la tension, la fragilité, l'endurance et l'abandon. Dans une époque qui redécouvre le temps long et l'écoute immersive, Vanessa Wagner s'impose comme une interprète essentielle de ce langage - poétique, introspectif et profondément contemporain.

Nouvel album d'anciens titres et de morceaux importants de sa vie. C'est à l'automne dernier, après quelques saisons très denses, qu'Albin de la Simone ressent le besoin de se retrouver seul ; face à lui-même. Enfermé à la Villa Médicis, il termine d'écrire son livre puis reprend et enregistre quelques chansons de ces débuts, plus sereines ; plus sensuelles. Il s'est amusé à reprendre quelques chansons de ses débuts comme Je te manque, Avril 4000 ou Non merci (2005), et a remarqué que je leur donnais quelque chose qu'il ne voyait pas à l'époque. Il les habitait d'une nouvelle façon. S'en suivent d'autres morceaux importants de sa vie comme la sublime " Valse des lilas " de Michel Legrand ou bien " Ma gueule " de Johnny Halliday. 10 titres, doux et touchants qui accompagnent avec justesse la sortie de son prochain livre " Mes battements " à paraitre chez Actes Sud.

Karol G est une chanteuse colombienne de pop latine et de reggaeton. Si vous demandiez à KAROL G : " À quoi ressemblerait l'album qui représente le mieux votre communauté latine ? ", elle répondrait par son cinquième album studio, TROPICOQUETA. Cette production est un hommage aux sons qui l'ont façonnée. Le résultat est une lettre d'amour à sa communauté latine. Profondément personnel,

La virtuose et le surdoué Avec plus de 125 concertos à son actif, Telemann fut l'un des pionniers de ce genre qui venait d'éclore en Italie. Mêlant audace, humour et émotion, il s'amuse à y explorer la virtuosité de l'instrument, ses dons d'imitations ou encore son lyrisme... Aux côtés d'autres pages où le violon est à l'honneur, Isabelle Faust et l'Akademie für Alte Musik Berlin nous révèlent quelques joyaux de ce corpus d'une richesse inouïe.

Saigyo est aujourd'hui considéré comme une figure majeure de la littérature japonaise. On peut raisonnablement penser qu'il n'aurait jamais imaginé que ses vers traverseraient les siècles et les continents pour devenir musique, sur des instruments pas encore inventés... C'est lors d'un séjour à New-York que Josefine Cronholm est tombée par hasard sur un recueil de ses poèmes. Profondément touchée, elle a transmis son enthousiasme au reste du groupe. Ces poèmes sont écrits dans le style japonais classique waka et, comme aucun membre de Near The Pond ne parle japonais, ils se sont servis de traductions anglaises de dix poèmes comme point de départ pour la musique de Wild Geese. Dans ses écrits, Saigyo observe la nature avec fascination, captant à la fois sa beauté et son caractère éphémère. Il s'intéresse aussi au passage du temps et à la place de l'homme dans un monde en perpétuelle évolution. Ce regard à la fois limpide et profond sur le monde a immédiatement fait écho chez les musiciens, qui y ont retrouvé cette même force d'évocation et cette économie de moyens qu'ils chérissaient déjà chez Carl Sandburg.